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主编之选:巴塞尔艺术展上最优秀的七件作品是?

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2019年巴塞尔艺术展的热闹现场。图片:由Andrew Goldstein拍摄

2019年巴塞尔艺术展的热闹现场。图片:由Andrew Goldstein拍摄

现在正值瑞士的芦笋季,这意味着在瑞士的菜单里能点到珍贵的白芦笋,这个季节也意味着巴塞尔艺术展的大厅里装点了更多珍贵无比的艺术品。作为世界顶级艺术博览会的巴塞尔艺术展,到今年已举办了49届。下面列举的是今年在巴塞尔艺术展上展出的最令人兴奋的作品。

罗伯特·印第安纳

Robert Indiana

《Rum Run》(c. 1975-2005)

苏黎世Galerie Gmurzynska

售价:60万美元

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自去年享年89岁的罗伯特·印第安纳(Robert Indiana)去世以来,公众对他的想象终于从他的原来极具辨识度的LOVE雕塑扩展到了他凌乱但却更有趣的的作品和生活上:比如他遗产的抢夺,那是由一群海盗一般、讨好着这位高龄艺术家的人发起的。又比如,他开始大量生产他标志性作品的商业版本。1978年,他搬到了缅因州的维纳尔黑文(Vinalhaven),并在那里度过了余生,将他的艺术作品和古怪收藏(包括许多超大的填充动物标本)塞满了Odd Fellows(奇友兄弟会)的一间用于聚会的小屋,从此获得了知名度。现在,这个小屋还有可能被变成一个博物馆。

这个引人注目的雕塑被陈列在瑞士Gmurzynska画廊的展位上,是多年来在印第安纳“荒岛"院落里被尘封多年的众多艺术品之一。这件作品最初创作于1975年,但在2005年左右才最终完成。它包含了艺术家早期在纽约艺术家中心时创作雕塑的特点:木制的底基,印有文字“Rum Run",这里人们可以看到,这件作品激发了他后来运用文本创作“LOVE"的灵感。但从那以后,事情就变得更奇怪了。瘦骨嶙峋的他穿着奇友兄弟会的旧制服,戴着建筑师菲利普·约翰逊(Philip Johnson)的眼镜;一个脚趾上还染着紫色指甲油。这位艺术家拥有唯一的一艘船(尽管搬到了海边,但他从来没有进行过航海)被漆成了金色——这是和艺术家早期作品的另一个联系,即在作品中时常运用这些隆重的颜色。

这件作品中那股出人意外的奇异感也正是它主要魅力所在,完全不同于那些让印第安纳赖以成名的精美字母作品——这类作品限制了人们对他毕生成就的认识。在博览会现场出售的这幅画现在正运往亚洲的一家博物馆的途中。在那里,这件作品将与白南准的一幅具有冥想性的作品一起展出。

阿尔贝托·贾科梅蒂 

Alberto Giacometti

《Caroline》(1963)

蒙特利尔Landau Fine Art画廊

售价:1850万美元

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本次展览中最具影响力的大师作品之一,可以在Landau Fine Art昏暗的展位里找到。这幅画展现了时常经受煎熬又严厉无情的贾科梅蒂柔软的一面。他为他的情妇兼缪斯卡罗莱娜(Caroline,全名不详)创作了十几幅肖像,这幅作品便是其中之一。画中的这张脸不是被愤怒地划掉的黑色,而是被涂上了发光的白色,显得非常平静,带有新娘面纱的暗示。身体非但不憔悴或破烂,反而可以被认为是具有曲线美的(至少是以贾科梅蒂的标准来说)。她双手交叉放在膝盖上,呈现出一种放松的姿势。这件作品的整个画面充满了爱和浪漫的情绪。

这幅作品最初从贾科梅蒂在瑞士的长期经纪人恩斯特·贝耶勒(Ernst Beyeler)那里买来,而这次为了展会从一家纽约私人收藏购得此画。可以说,它准确地代表了人们对于巴塞尔艺术展这样顶尖艺博会一直以来的印象。

阿尔伯特·厄伦 

Albert Oehlen

《Rasieren》 (2005)

纽约Skarstedt画廊

售价:250万美元

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这是伟大的德国画家阿尔伯特·厄伦(Albert Oehlen)的杰作,错综复杂的形状和粘稠的颜色像漩涡一样吹进Skarstedt的展位,充满了视觉力量和绘画的活力。厄伦极具创造力,在各种方法和模式之间转换,其作品变化之大,仿佛让人感觉是不同艺术家的创作。但在这里,他也停下来反思自己从哪而来。拼贴画的部分一直延伸到画布的底部,一位上了年纪的人物穿着内衣站在浴室水槽旁边。这个形象引用的是厄伦在柏林的老朋友兼校友马丁·基彭伯格(Martin Kippenberger)著名的自画像,似乎是在想象这样一种情形:如果这个不安分的画家没有在1997年英年早逝,而是摆脱了"坏小子"的时期变成了一个老年人。想象一下,如果这两位千变万化的艺术家今天还在以“攻击"的方式在画布上创作,那么绘画就完全是另一回事了。

安妮·莱博维茨

Annie Leibovitz

“Driving"系列(1970-1984)

豪瑟沃斯画廊

售价:27.5万美元

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年初,安妮·莱博维茨(Annie Leibovitz)在豪瑟沃斯洛杉矶如同博物馆空间一般的画廊空间里进行了一场颇有影响力的研究展。本周有消息称,莱博维茨已与这家全球知名的蓝筹画廊签约。这么看来,这家画廊肯定已经找到了能将她的摄影定位为艺术的方法。长期以来,她的摄影一直出现在《滚石》(Rolling Stone)和《名利场》(Vanity Fair)等杂志中。在她的洛杉矶展览中,画廊与莱博维茨一同在她的档案里寻找佳作,并在展览的墙上贴满了以照片为主题的缤纷作品,其中包括电影明星、音乐家、政治家、作家和其他各种名人的照片,为观众穿起了一连串属于每个人自己独特的记忆。

然而,那次展览中最聪明的举动之一是将不同的主题或故事情节从她的作品中分离出来,并将它们作为观念集群进行分离。其中最令人难忘的是莱博维茨在上世纪70、 80年代初期,为她的名人朋友们拍摄的一组照片。主题包含的范围令人欣喜,人们能在作品中看到诺曼·梅勒(Norman Mailer)到弗兰·勒博维茨(Fran Lebowitz),再到理查德·普赖尔(Richard Pryor)和杰瑞·加西亚(Jerry Garcia)同时出现的身影。这种概念性图录式的设计能在伯尔尼和希拉·贝歇尔(Bernd and Hilla Becher)的德国工业景观的象征学中看到,即使他们从来没有特意创建这样一个框架。到最后,你所得到的是一个很好销售的作品。莱博维茨说,她和画廊现在“正在研究我整个职业生涯的作品"。

相关阅读:专访安妮·莱博维茨:“我的照片因为有观点而更具风格"

尤塔·科特

Jutta Koether

《100%(Portrait Robert Johnson)》 (1990)

厉为阁画廊

售价:25万美元

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几十年来,画家兼音乐家尤塔·科特(Jutta Koether)一直是纽约下城艺术圈的中流砥柱,他的作品以琥珀色、红色和橘色为基调,笔触鲜明。因此,当知名的上城区画廊厉为阁(Levy Gorvy)今年早些时候从该艺术家长期经纪人博托拉米那里挖走她时,还曾引起了一阵骚动与困惑。比如,她的市场与厉为阁的其他艺术家的作品处于非常不同的水平(她的拍卖纪录是3.7万美元,是在2015年创下的),与画廊代理名单上的另一位年轻艺术家丹·科伦(Dan Colen)没有明显的共同点。那么,厉为阁为何选择科特?

“我们对她的作品的回应是她的实践,她是如何用作品表现和实现的,以及她如何回到过去,在个人对话中重用她的作品,"画廊主布雷特·戈维(Brett Gorvy)和多米尼克·利维(Dominique Levy)解释说,“我们喜欢实验性的艺术家,他们能保持自我,忠于自己的愿景,不管他们得到什么关注。我们都是浪漫主义者。"在展位上,她的画作与贾科梅蒂的一尊小半身像和毕加索的画作一起展出,这对科特来说无疑是一种新奇的背景。戈维说:“我们可以帮助她获得长期以来应得的尊重。我们从博物馆的角度来看待她。"更重要的是,戈维似乎很享受在画廊的工作——这与他之前在佳士得拍卖行的拍卖生涯截然不同。“从另一家画廊引进艺术家是一种全新的体验,我不觉得这很吸引人,"他说,“但我们有很多选择,因为我们不依赖一级市场。我们有能力将二级市场业务作为一个非常强劲的收入来源,这让我们能够与信任的艺术家合作。我很感兴趣的是,环境的变化如何让一位艺术家成长,并成为最好的自己。"

至于科特的市场,他说,“我们不是在和一个价格让市场反感的艺术家打交道。"这些作品非常容易被更广泛的受众所接受,低于市场所能支持的水平。但戈维目前不想涨价。他表示:“市场应该是自然驱动的。如果有需求,它们就会增长。我们不把她看作一个庞大的产品线。"

五木田智央

Tomoo Gokita

《I Hadn't Anyone Till You》(2019)

Blum& Poe画廊

售价:17.5万美元

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日本艺术家五木田智央(Tomoo Gokita)的画作最近在市场上火爆起来。他曾是一名平面设计师,多年来一直与画商比尔·布雷迪(Bill Brady)合作。在与Blum & Poe合作后他发现自己的价格跃升至了相当高的价格,拍卖纪录不断攀升。最近一次是在上个月富艺斯拍卖行在纽约拍卖现场,他的作品以100万美元成交。对他作品的需求正在加速增长的部分原因,其实来自于中国一个活跃的藏家群体——一位在Instagram上自称“SupercleanRabbit"的香港餐馆老板被认为是其一位关键买家——该画廊表示,买他的作品的等待名单“长达一英里"。现在,Blum & Poe是以17.5万美元的价格出售周围艺术家画作的阶段——就像这幅在博览会前售出的模糊的封面画一样——如果在拍卖会上被拍卖,价格很容易升至50万美元,这迫使该画廊采取额外的防范措施,以防把画卖给潜在的投机者。由于五木田智央相当多产,最快能在一天内完成好几幅作品,所以看着这位艺术家能在新建立起来的市场力量推动下走得多远,也会是一件有趣的事情。

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EJ希尔

EJ Hill

“University of St. Tamir"系列(2019)

Commonwealth and Council

售价:1万至3.5万美元

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在艺术家EJ希尔(EJ Hill)的作品中,他致力于审视美国教育体系的失败和机遇,特别是在目前低收入、边缘化社区的人们接受必要的教育是如此困难的经济形势下。在他在洛杉矶哈默美术馆的“LA制造“双年展中的表演中,这位艺术家围着每个他就读的学校跑圈(上了几年学就跑几圈),然后在展览的三个月的时间里,跑完就站在冠军领奖台上,每周六天每天站10小时。这次艺术展上的作品主要还涉及一个全国性的悲剧,即12岁的塔米尔·莱斯(Tamir Rice)在克利夫兰的悲惨死亡遭遇。这场悲剧也加深了希尔的创作研究。

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该装置以“第一课"为框架,以一块写着“我们不是我们的痛苦"(We are not our pain)的黑板为背景,假象出一个虚构的“圣塔米尔大学"的情景。这是一个理想的替代机构,如果莱斯生活在那里,他可能能接受到许多美国人接受不到的那种教育。这里重复着教育能提供的“提升"的概念,不仅出现在大学徽章的雪山上,还出现在一座学院讲台的雕塑上,那里有12朵黑色的马蹄莲,代表赖斯生命中的每一年(希尔把他想象中的校园看作是“莉莉联盟"(Lily League)的一部分,这是对常春藤联盟(Ivy League)的一个改编)。展位中心是艺术家从他在拉德克利夫(Radcliffe)刚刚结束的驻留项目中得到的一个木制学校桌子,上面着撑着一块板子,板面上写着莱斯的母亲撒玛利亚·莱斯(Samaria Rice)的话, “我谦逊地拥护EJ希尔赋予圣塔米尔大学的愿景"。这件作品表达了对莱斯的追忆。

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能够得到撒玛利亚·莱斯对他作品的祝福对希尔来说非常重要,当他联系到她时他惊奇地发现她也在做着创建以塔米尔·莱斯为名的大学的计划。该计划专门为在克利夫兰当地的青年带来艺术和文化。她已经购买了一栋大楼,目前正在进行一场目标50万美元的翻修资金筹款活动。希尔目前承诺将他的《圣塔米尔大学》的一部分销售所得捐给该基金会。

 

文丨Andrew Goldstein

译丨Yi Cao